Pod koniec lat 80. XIX w. niemal równocześnie w różne kraje oświadczył się” nowy styl”, znane jako „Art Nouveau”, „Secesja”, „Jugendstil”, „Modern”. Jego poszukiwania artystyczne i zasady kształtowania najpełniej przejawiały się przede wszystkim w architekturze, a następnie w sztuce zdobniczej, gdzie ornament miał stać się najbardziej charakterystycznym ucieleśnieniem nowych nurtów stylistycznych.
Znaczącą rolę w rozwoju secesji odegrał Samuel Bing, który świadomie i celowo promował sztukę japońską z punktu widzenia potrzeb „nowego stylu”. Za swoje główne zadanie uważał zapoznawanie francuskich artystów, przede wszystkim gatunków użytkowych, z zasadami konstruowania formy i dekoracji wyrobów japońskich oraz otwieranie nowych dróg twórczości. Publikacje jego pisma miały pomóc artystom i rzemieślnikom zajmującym się sztuką przemysłową w odejściu od modnej wówczas zewnętrznej imitacji wyrobów orientalnych na rzecz prawdziwego ich zrozumienia i wykorzystania we własnej twórczości.
Znaczące okazały się także doświadczenia Japonii w realizacji jednego z głównych problemów systemu stylu secesyjnego – problemu syntezy sztuk. Ponadto odwołanie do motywów japońskich miało ogromne znaczenie w kształtowaniu się rzeczywistych właściwości stylistycznych secesji.
Grafika japońska stała się bodźcem do zwrotu secesji w stronę wizerunków tajemniczych, ospałych i pełnych wdzięku kobiet, a także rzadkich w sztuce europejskiej motywów flory i fauny, takich jak glony, lilie wodne, owady, gady i skorupiaki. Chrząszcze, motyle, ważki i koniki polne były przedstawiane na różnych przedmiotach i we wszystkich rodzajach sztuki użytkowej.
Jednak motyw wody odegrał w sztuce europejskich mistrzów secesji większą rolę niż inne motywy pochodzenia japońskiego.
Linia w kształcie łacińskiej litery „S” stała się w zależności od kontekstu swego rodzaju „formułą stylu”, zdolną wyrazić albo spontaniczność i energię, albo umieranie, letarg i apatię.
Rytm jako podstawa języka artystycznego, niepełność ruchu, co wiąże się z rytmiczną strukturą dzieła i organicznie z nich wynikająca asymetria – wszystkie te cechy japońskiej sztuki zdobniczej stały się niemal głównym bodźcem do poszukiwań mistrzów secesji koncepcji stylu formatywnego.
Rola ozdoby w systemie sztuki secesyjnej ogromnie wzrosła, zarówno jako element dekoracyjny, jak i element kształtujący. Teraz w ozdobie sam wzór i tło mają to samo znaczenie pod względem aktywności i mogą być wymienne. Na tle wieloaspektowego eklektyzmu secesyjny ornament wyróżniał się nowatorstwem ulubionych motywów oraz niespotykaną dotychczas niespokojną i poruszającą rytmiką.
W stylu Art Nouveau symbolem stylu stają się motywy roślinne, a raczej kwiatowe. Kryterium wyboru były nie tylko cechy kształtu kwiatów, ale także ich zgodność semantyczna. Ulubionymi kwiatami tego stylu są tulipany, orchidee, lilie, lilie wodne, słoneczniki, maki i żonkile. Irys był ulubionym kwiatem sztuki zdobniczej tamtych czasów, podobnie jak ważka była ulubionym owadem.
Wybór powyższych barw wynika ze szczególnego charakteru kształtu płatków i liści, co bardzo odpowiadało stylowi secesyjnemu, który głosił prymat linii i konturu nad modelowaniem wolumetrycznym. Naturę zmodyfikowano pod styl, który uwielbia zakrzywione, elastyczne linie, nieco przesadzone i uogólnione interpretacje formy, balansując na granicy rzeczywistości i konwencji.
Artyści secesji nie przedstawiali bukietów ani martwych natur kwiatowych, ale woleli pojedynczy kwiat. Ponadto lubili nadawać przedmiotom użytkowym kształt kwiatu. Na przykład kieliszki i kieliszki do wina przybierają kształt tulipana, gdzie łodyga i liście pełnią rolę łodygi.
Art Nouveau charakteryzuje się zainteresowaniem formami naturalnymi. Praca z mikroskopem, rozpoczęta w XIX wieku, ujawniła wzory najdrobniejszych oczek, żeberek roślin i różne przedmioty realny świat, co znacząco wzbogaciło kompozycje i gatunki zdobnictwa. Wewnętrzne i struktura zewnętrzna rośliny, wzory chmur i żywioł wody stają się przedmiotem dokładnych badań artysty. W secesyjnych dekoracjach często pojawiają się wszelkiego rodzaju egzotyczne muszle, koralowce, algi, ryby, meduzy, gwiazdy i zwierzęta wodne.
Architektura secesyjna, wystrój wnętrz mieszkań i rezydencji, wyposażenie (drzwi, piece, kominki), meble, sztuka użytkowa i wyposażenie - wszystko to stanowi jedną artystyczną i plastyczną całość.
Ściany lokalu pomalowano na pastelowe kolory – liliowy, zielonkawy, perłowo-szary. Ulubionymi kombinacjami kolorystycznymi tego stylu były odcienie niebieskiego i zielonego, liliowo-fioletowego i pistacjowego, zwykle jasne, wyblakłe. Meble o nowych formach subtelnie połączono z kolorystyką ścian. Dominowały w nim kręte, skomplikowane, faliste kontury, za każdym razem oryginalne i niepowtarzające się, a także stosowano ozdobne nakładki zdobnicze wykonane z różnych materiałów.
Początek nowego stulecia upłynął pod znakiem rozprzestrzeniania się stylu secesyjnego w obu krajach Europa Zachodnia i w Rosji. Przychodząc do architektury rosyjskiej z Zachodu, nie różnił się zasadniczo.
Cechą charakterystyczną rosyjskiej secesji jest tendencja do mieszania się z innymi stylami historycznymi oraz powszechne w secesji przedstawianie tradycyjnych motywów renesansu, baroku, rokoka, a także łączenie staroruskich form architektonicznych z secesją.
Kwiaty, ulubiony motyw rosyjskiej ozdoby, zostały oddane naturalistycznie, w połączeniu z wszelkiego rodzaju owadami, robakami, ślimakami, nietoperze. Preferowane są kwiaty wspinaczkowe, szklarniowe i egzotyczne. Co więcej, w wybranej formie naturalnej przyjmuje się jeden atrybut i czyni go dominującym. Kształt rośliny zostaje zdeformowany i to nie sam przedmiot pojawia się przed nami, ale jego symbole i znaki.
Styl secesyjny nie przetrwał długo. Nowatorstwo form, pretensjonalność wyobraźni i śmiałość technik zaczęły męczyć. Modernizmowi nigdy nie udało się zostać jedynym i suwerennym zarządcą artystycznych aspiracji tamtych czasów. Mimo to, ustępując miejsca innym poszukiwaniom stylistycznym, swoje najważniejsze odkrycia artystyczne pozostawił w spadku następującym po nim ruchom artystycznym.
Secesja w architekturze charakteryzowała się jasną wyrazistością i dekoracyjnością.
Modernizm w architekturze. Dom Singera w Petersburgu. Projekt autorstwa architekta Pawła Syuzora. 1904
Styl secesyjny w architekturze pojawił się w następstwie artystycznego protestu przeciwko ustalonym kanonom i tradycjom architektonicznym, a także w naśladowczej manierze eklektyzmu. Modernizm zawdzięcza swój wygląd w dużej mierze rozwojowi technologii w zakresie materiałów i konstrukcji. Pojawienie się takiego materiału jak żelbet umożliwiło tworzenie skomplikowanych zakrzywionych fasad, gzymsów, otworów okiennych i drzwiowych. Moda na secesję nie trwała długo: jeśli za początek rozwoju stylu uznać rok 1886, to po wybuchu I wojny światowej w 1914 roku styl ten podupadł. Secesja w architekturze jest bardzo różnorodna i zmienna; w wielu jej kierunkach można znaleźć wszelkiego rodzaju formy, motywy i kombinacje kolorów. Tradycyjnie styl secesyjny w architekturze uważany jest za zwolennika motywów roślinnych, nie wykorzystujących kątów i linii prostych. Jednak obok tego typu secesji istniała także secesja prostoliniowa, geometryczna, która nie tolerowała żadnej dekoracji ani krzywoliniowości. Główną cechą, która łączy wszystkie kierunki tego stylu, jest niezwykłość, oryginalność, odmienność od poprzednich kierunków stylistycznych, pomimo wykorzystania niektórych elementów architektury przeszłości. Modernizm w architekturze odziedziczył tradycje architektoniczne Europy, Bliskiego i Wschodniego Daleki Wschód, Afryka. Mistrzowie stylu nie kopiowali jednak próbek z przeszłości, a jedynie zapożyczali od nich motywy artystyczne, poddając je swobodnej interpretacji. Często nowoczesna architektura budowana jest na zasadzie „od drugiej strony”, to znaczy najpierw planuje się przestrzenie wewnętrzne, a na podstawie układu wewnętrznego powstaje rozwiązanie przestrzenne domu, co następnie odbija się na jego wyglądzie. Takie podejście do nowoczesnej architektury doprowadziło do pojawienia się asymetrycznych budynków o nietypowych kształtach i elementach konstrukcyjnych. Inna wersja modernizmu w architekturze to pewna idea, która znajduje odzwierciedlenie w dekoracji fasad i wnętrz i zamienia budynki w fantastyczne konstrukcje.
Casa Batlo. Dom, w którym ucieleśnia się idea narodowa Katalończyków – zwycięstwo nad smokiem. Architekt Gaudi, Barcelona.
W okresie panowania w architekturze stylu secesyjnego organizowano warsztaty i stowarzyszenia twórcze, w których architekci, rzeźbiarze, dekoratorzy, artyści użytkowi, rzeźbiarze w kamieniu i drewnie oraz odlewnicy wspólnie pracowali nad konkretnym zadaniem. Taka współpraca była konieczna, gdyż generalnie (z wyjątkiem „modernizmu geometrycznego”) styl ten charakteryzują ozdoby oparte na naturalnych formach: zakrzywionych łodygach, liściach, płatkach, lokach włosów. Ozdobę nałożono na ściany w formie malarstwa, łączonego w panele mozaikowe, rzeźbione w drewnie lub wykonane w metalu. Ozdoba secesyjna zawierała wizerunki ogona pawia, długich łabędzich szyj i fal. Popularna była ciągła linia zwana „biczem bicza”, która stała się znakiem rozpoznawczym zdobnictwa secesyjnego. Linię tę porównywano do form biologicznych i uznawano za kojarzącą się z żywym organizmem. Taki nowoczesny wystrój zastosowali w swoich budynkach V. Horta (1861 - 1947 architekt belgijski), G. Guimard (Hector Guimard. 1867-1942), Markus Geyza (architekt węgierski).
Pałac „Cyfrowa Palota” (Pałac Ozdobny). architekt Géza Márkus, 1902, Kecskemet. Bułgaria. Zaokrąglone kontury fasady zdobią secesyjne zdobienia – psychodeliczny wzór oparty na rysunku folklorystycznym.
Pomimo swojej jasności i oryginalności styl secesyjny w architekturze nie mógł uzyskać „statusu państwowego” i rozwinął się głównie przy budowie domów dla zamożnych klientów: rezydencji miejskich, sklepów, apartamentowców, którzy chcieli pobudzić wyobraźnię i zaimponować niezwykłym ludziom. W tym przypadku wyobraźni architekta nie ograniczały zasoby materiałowe i rygorystyczne zasady, dlatego budynek powstał w sposób dowolny, w oparciu o życzenia klienta. Wystrój i kształt fasad przybrały niezwykłe formy, tworząc się wraz z m.in dekoracja wnętrz pojedynczy kompleks.
Styl secesyjny w architekturze różnych krajów
Każdy kraj nadał nowemu stylowi własną nazwę. W Belgii, podobnie jak we Francji, nazywano go „Art Nouveau”. W Anglii - „Wolność”, w Rosji nowy styl nazwano „Nowoczesnym”, w Niemczech – „Jugendstil”, w Austrii – „Secesją”. Secesja wiedeńska - praktyczny styl o prostych i regularnych geometrycznych kształtach. W pracach zwolennika tego nurtu, A. Loosa, dekoracji nie ma, architekt bowiem uznał ją za „bełkot malarstwa”. Prace A. Loosa (Adolfa Loosa) - dom Müllera w Pradze (1928-1930), wiejski dom Kunera w Payerbach. Austriak Joseph Hoffmann (1870-1956) zbudował w Brukseli Pałac Stocleta (1911) - zwiastun zbliżającego się stylu funkcjonalnego.
Dom Müllera w Pradze jest przedstawicielem geometrycznego modernizmu w architekturze. Pomysł polegał na planowaniu przestrzeń wewnętrzna w oparciu o kostki tworzące objętość domu. Architekt A. Loos. 1928-1930
Otto Wagner (Wagner, Otto. 1841-1918) przedstawił inny rodzaj modernizmu w architekturze Wiednia w malowanym Domu Majoliki (1898), Gmachu Poczty w Wiedniu (1910).
Belgijski architekt Victor Horta stał u początków europejskiego modernizmu w architekturze. Powierzchnia elewacji rezydencji Armanda Solvaya (1895-1900), zbudowanej przez V. Ortha, przypomina falę morską - wrażenie to powstaje dzięki plastycznej linii fasady i balustradom balkonowym, tworzącym jedną kompozycję.
Dwór Solvayów. architekt V. Ort. 1895-1900 Bruksela, Belgia.
Modernizm w architekturze Brukseli – Hotel Tassel demonstruje nowe formy architektoniczne. Architekt V. Orta.
Innym brukselskim architektem, który pracował w stylu secesyjnym, był Armand van Waesberghe (1879-1949) w latach 1896-1902. zbudował dziewięć domów w Brukseli. W swoich pracach mistrz łączył motywy nowoczesne i gotyckie.
Secesyjna kamienica przy Placu Gutenberga 8. architekt A. van Waesberghe. 1898 Bruksela.
W Czechach Jan Kotera (Kotera. 1871-1923) zbudował w stylu secesyjnym.
Dom publiczny w Prostejowie. Architekt J.Koter. 1905 - 1907
Hector Guimard stworzył modernizm w architekturze francuskiej: pawilony paryskich stacji metra, Mezzar House w Paryżu. W Hiszpanii pracował Antonio Gaudi, który połączył talenty inżyniera, projektanta, architekta i dekoratora, w wyniku czego jego prace nabrały niepowtarzalnego wyglądu, który sprawił, że budynek wyglądał jak fantastyczna rzeźba. Prace Gaudiego opierają się na wykorzystaniu tak plastycznego i trwałego materiału, jak żelbet. Dzieła Gaudiego: Casa Batlo (1906), Casa Mila (1910), Park Güell (1914) Sagrada Familia.
Fantastyczna katedra Sagrada Familia (Świętej Rodziny) jest nadal ukończona. Architekt Gaudi, Barcelona.
W architekturze rosyjskiej secesja znalazła swoje ucieleśnienie w kościele Zbawiciela nie wykonanym rękami w Abramcewie (1882) - owocu wspólnej pracy artystów W. Polenowa, W. Wasnetsowa, A Mamontowa. W rosyjskiej secesji wyraźnie widoczne były cechy architektury narodowej: dom Percowa w Moskwie (1907) projektu S. Malyutina i N. Żukowa. Jednak niektóre budynki przypominały także wzorce europejskie: Hotel Metropol autorstwa architekta V. Valkota (1903), secesyjny pomnik - Dom Singera (obecnie Dom Książki) w Petersburgu (1902-1904 autorstwa architekta P. Suzora) . Innym przykładem rosyjskiej secesji jest sklep Eliseev (1902-1903, architekt G. Baranowski). W latach 1913-1914 F. Lindvall zbudował hotel Astoria w Petersburgu. Wśród modernistycznych budynków w architekturze moskiewskiej: dwór Ryabushinskaya, dwór Derozhinskaya architekta F. Shikhtela, dwór Mindovsky'ego, dom architekta L. Kekusheva, dom Sokola architekta Maszkowa.
Hotel Metropol w Moskwie. Architekt V. Walcott. 1903
W Stanach Zjednoczonych sławę zyskała chicagowska szkoła secesyjna Louisa Henry'ego Sullivana (1856 -1924), zwolennika łączenia architektury organicznej i racjonalnej.
Budynek oszczędnościowy. Architekt Louis Sullivan.
Okres secesji w architekturze był różnie oceniany przez krytyków. Niektórzy w ogóle nie są skłonni uważać go za styl niezależny, inni postrzegali go jako przejaw upadku, a jeszcze inni widzieli w secesji pewien etap ważny dla dalszego rozwoju architektury. Styl ten pokazał, że możliwe jest nowe podejście do dekoracji budynków, proponując specyficzny wystrój secesyjny, harmonizujący z plastikowymi elewacjami i elementami architektonicznymi.
Dawny apartamentowiec K.Kh. Keldalya na Kamennoostrovsky Prospekt (nr 13). Architekt Shaub V.V. 1903
Pomysłowość stylu udowodniła, że niemożliwe jest możliwe, a to, co wydawało się baśnią i fantazją, mistrz jest w stanie ożywić. Nowoczesny wystrój, nietypowe projekty i elewacje wciąż budzą zainteresowanie wśród ludzi kreatywnych, o szerokich poglądach, umiejących realizować swoje pragnienia i nie bojących się tego, co nowe i niezwykłe.
Płaskorzeźby na fasadzie kamienicy K.Kh. Keldal na Kamennoostrovsky Prospekt.
Obecnie do dekoracji wykorzystuje się nie tylko tradycyjne materiały, ale także sztuczne, na przykład poliuretan. Charakterystyka tego materiału pozwala na tworzenie oryginalne produkty, a także wykonywać dokładne kopie elementów fasad znanych obiektów historycznych.
Płaskorzeźba wykonana z poliuretanu, stworzona na podstawie wystroju elewacji dawnego apartamentowca K.Kh Keldahl przy Kamennoostrovsky Prospekt.
Dom z nowoczesnymi elementami i plastikowym wystrojem poliuretanowym.
W języku francuskim - Art Nouveau, w języku niemieckim - Art Nouveau, w języku węgierskim - Secesja. To wszystko nazwy stylu secesyjnego, który zyskał popularność na początku XX wieku i cieszy się nim do dziś.
Idee ze Wschodu w stylu Art Nouveau
Styl secesyjny czerpie wiele pomysłów z kultury Wschodu. Kwiatowe wzory, przeplatające się wdzięczne linie, kwiaty, farby - wszystko to stanowi podstawę i esencję epoki secesji. Takie ozdobne wzory w stylu secesyjnym powtarzają się we wszystkich wymiarach płaskich, czy to obrazów graficznych, płaskorzeźb czy kutych elementów dekoracyjnych.
Wielu artystów szukało nowych możliwości wyrażenia swojej kreatywności i idee filozoficzne, zwracając się do natury i jej żywych linii. Do znanych artystów należą Gustav Klimt, A. Toulouse-Lautrec i inni.
Linia rządzi grzędą
Głównym elementem tego stylu była linia. To misterne, wdzięcznie zakrzywione linie definiują i tworzą ozdoby w stylu secesyjnym. Każdemu z nich nadano własne znaczenie, wyrazistość i charakter. Przypominają swobodnie unoszący się na wietrze sztandar lub falę morską ze swoimi kaprysami. Wyrafinowane wyrafinowanie, wdzięk i swoboda - takie jest znaczenie stylu Art Nouveau. Rysunek praktycznie nie ma kresek ani linii prostych - składa się wyłącznie z wijącej się linii, która obrysowuje, powtarza lub podkreśla kontury postaci.
Symbolika i obrazowość
Kolory i odcienie w stylu secesyjnym mają określone znaczenie. Naturalne, zbliżone do naturalnych, podkreślają piękno i lakoniczność ornamentu, jego fakturę i symbolikę. Złote obrazy G. Klimta, na których często przedstawiał Drzewo Raju, niosą ze sobą symbolikę życia wiecznego, miłości i szczęścia. Częścią secesyjnej ozdoby mogą być także wizerunki zwierząt, ptaków i owadów. Alegoryczne, stylizowane, wskazują na naturę konkretnego rysunku, jego sekretne znaczenie i filozoficzne implikacje.
W secesji często można spotkać wizerunki kobiet. Styl ten zdaje się wychwalać kobiece piękno, idealizując je. Wiele ozdób składa się ze stylizowanych, gęstych kobiecych loków, symbolizujących zdrowie i urodę. Twarze kobiet skrywają tajemnice magiczna moc i poznanie wszechogarniającej miłości.
Architektoniczny nowoczesny
Ozdoba w stylu secesyjnym zajmuje wiodącą pozycję w rozwiązaniach kompozycyjnych nie tylko w sztukach plastycznych, ale także w architekturze.
Płaskorzeźby zdobiące budynki wyglądają wyrafinowanie i lekko dzięki drobnym detalom. Tutaj linie, kwiaty, liście przeplatają się ze sobą, tworząc fantazyjne wzory, które nie obciążają elewacji, ale nadają jej zwiewności i elegancji.
Wstęp
Sztuka od dawna jest integralną częścią życia człowieka. Utrwalała wartości duchowe i wysiłki ludzi z różnych epok i czasów. Dzieła sztuki są postrzegane nie tylko przez świadomość, mają ogromny wpływ emocjonalny na osobowość jako całość, przebudzenie potrzeby estetyczne. Charakter kultury artystycznej zależy przede wszystkim od ustroju społeczno-politycznego społeczeństwa. Determinuje nie tylko treść ideową dzieł sztuki, ale także orientację twórczą artystów, a w konsekwencji losy sztuki danej formacji społecznej. Sztuka jako forma świadomości społecznej jest ściśle związana z ideologią. I tak na przełomie XIX i XX w. filozofowie i artyści burzyli (ściany muzeów), powoływali dzieła sztuki do życia i wypełniali nimi otoczenie.
Na Zachodzie sztuka piękna stopniowo objęła dziedzinę projektowania, przekształcając każdy przedmiot przemysłowy w estetycznie doskonały. Dzieła modernistów wyraźnie różniły się od dzieł sztuki stworzonych wcześniej przez ludzkość: Czysty twórczość przejawiała się w pracach sztalugowych, w których materializowały się podświadome, intuicyjne ruchy, odsłaniając irracjonalność w przeciwieństwie do logicznego tworzenia rzeczy. Sztuka modernizmu nie była tworzona przez jakąś konkretną grupę artystów, jej ruchy powstawały w różnych latach, w różnych krajach; w szeregach modernistów znajdowali się artyści i poeci, którzy czasami nie znali się i nie łączyły ich wspólne aspiracje i ideały. . Liczne ruchy modernistyczne nie były związane narodowymi tradycjami artystycznymi swoich krajów. Rozproszone po różnych krajach, oddzielone dziesięcioleciami ruchy modernistyczne łączy jedno: łączy je metoda antyrealistyczna. To z kolei przesądza o wspólności rozwiązań problemów estetycznych w różnych kierunkach modernizmu. Art Nouveau jako styl nie przetrwał długo i został zapomniany na wiele lat. W ostatnim czasie protest przeciwko dominacji technicyzmu, rutyny i praktyczności doprowadził do pojawienia się nowej fali zainteresowania nowoczesnością, co przesądza o aktualności naszego tematu praca na kursie. Głównym celem pracy kursu jest stworzenie serii zakładek na dany temat . Aby to osiągnąć postawiliśmy sobie następujące zadania: a) przestudiować literaturę naukową i beletrystyczną na zadany temat; b) Przeanalizuj charakterystyczne cechy stylu nowoczesny ;
c) Scharakteryzować wpływ secesji na wszystkie rodzaje działalności artystycznej końca XIX i początku XX wieku; d) Wykonaj kompozycję kreatywną. Twórczość I. Kulikowej poświęcona jest studiom nad nowoczesnością w ogóle, gdzie nowoczesność ukazana jest z punktu widzenia realizmu sowieckiego i charakteryzuje się jako jeden z typów nie do końca jasnej sztuki mieszczańskiej. Ten sam punkt widzenia prezentuje książka N. Małachowa O modernizmie . Odmienny punkt widzenia na temat secesji wyraża V. Serebrovsky, który z wielkim zrozumieniem i miłością pisze o pięknej oryginalności secesji i jej wpływie na wszystkie rodzaje sztuki. Wiele artykułów w periodykach poświęconych jest nowoczesności. Nowość pracy polega na prezentacji własna wersja kreatywna kompozycja zakładek na temat kwiatowych wzorów kwiatów stepowego Krymu w stylu Art Nouveau. Rozdział 1. Historia rozwoju zdobnictwa w zdobnictwie sztuka stosowana
.1 Semantyczne korzenie zdobnictwa roślinnego kultur starożytnych
Ozdoba to jeden z najstarszych rodzajów ludzkiej aktywności wizualnej, który w odległej przeszłości niósł ze sobą znaczenie symboliczne i magiczne, ikoniczność i funkcję semantyczną. Jednak wcześniej elementy dekoracyjne i zdobnicze mogły nie mieć żadnego znaczenia semantycznego, a jedynie abstrakcyjnymi znakami, w których wyrażały poczucie rytmu, formy, porządku i symetrii. Badacze ozdoby uważają, że powstał on już w epoce górnego poleolitu (15-10 tys. lat p.n.e.). Oparty na nieobrazowej symbolice projekt był prawie wyłącznie geometryczny, składający się ze ścisłych form koła, półkola, owalu, spirali, kwadratu, rombu, trójkąta, krzyża i ich różnych kombinacji. Zygzaki, kreski, paski, ozdoby „choinkowe”, wiklina ( lina ), wzór. Starożytny człowiek obdarzył swoją koncepcję budowy świata pewnymi znakami, na przykład kołem - słońcem, kwadratem - ziemią, trójkątem - górami, swastyką - ruchem słońca, spiralą - rozwojem ruch, ale najwyraźniej nie mieli jeszcze przedmiotów walory dekoracyjne. Stopniowo te znaki - symbole nabrały ozdobnej wyrazistości wzoru, który zaczęto uważać jedynie za wartość estetyczną i określono cel ozdoby - dekorowanie. Treść symboliczna i semantyczna ozdób powraca do czasów średniowiecza. Należy zauważyć, że w pracach współczesnych badaczy historii podaje się wygląd, istnienie i zastosowanie ozdoby szczególną uwagę motyw spirali. W 1698 roku szwajcarski matematyk Jacob Bermunli przeprowadził operację chirurgiczną na spirali: przeciął ją na pół, przez środek, wyprostował powstałe segmenty i uzyskał pewną skalę harmoniczną poddającą się analizie matematycznej. W ten sposób narodziło się słynne prawo Złoty podział lub jak to nazywają matematycy (Prawo Złotej Liczby). Ozdoba, która pojawiła się u zarania ludzkości, wzbogaca emocjonalnie i estetycznie różnorodność form i struktury figuratywnej rzeźb w kamieniu i drewnie, wzorów tkanych, biżuterii i miniatur książkowych. Ozdoba zajmuje duże miejsce w sztuce ludowej. Jeden z największych czeskich badaczy kultury ludowej Josef Vydra wyróżnia cztery główne funkcje ozdoby: )Konstruktywne – wspiera tektonikę obiektu i wpływa na jego percepcję przestrzenną; )Operacyjny – ułatwia korzystanie z przedmiotu; )Reprezentacyjne – zwiększa wrażenie wartości przedmiotu; )Psychiczny - wpływa na osobę swoją symboliką, a tym samym go podnieca lub uspokaja. W zależności od wierzeń i poglądów na otaczającą rzeczywistość, w innych czasach te same elementy zdobnictwa były odmiennie postrzegane. Otrzymali specjalną interpretację, projekt wizualny i styl. Przykładowo: kwiat róży (rozeta, rozeta) według starożytnych wierzeń pogańskich, kwiat bogini Wenus – symbol miłości i piękna, w średniowieczu – kwiat Matki Bożej, w islamie – symbol życie niebiańskie i moc kosmiczna. Złożony i powszechny motyw plecionki znany jest już od czasów paleolitu. Szczególną wyrazistość zyskała wiklinina we wzorze celtyckim. Należy to zauważyć wczesny okres Ozdoba celtycka charakteryzuje się całkowitym brakiem motywów roślinnych. Przez wiele lat istnienia sztuki dekoracyjnej rozwinęły się różne rodzaje wzorów: geometryczne, kwiatowe, złożone itp. od prostych połączeń po złożone zawiłości. Ozdoba może składać się z motywów obiektywnych i nieobiektywnych, może obejmować formy ludzkie, świat zwierzęcy, stworzenia mitologiczne, elementy naturalistyczne przeplatają się i artykułują w ornamencie stylizowanymi i geometrycznymi wzorami; Na pewnych etapach ewolucji artystycznej następuje skasowanie granica pomiędzy malarstwem ozdobnym i przedmiotowym. Można to zaobserwować w sztuce Egiptu (okres Amarny), sztuce Krety, sztuce starożytnego Rzymu, późnym gotyku i oczywiście w secesji. Jak już zauważyliśmy, wczesne formy zdobnictwa są geometryczne. Badacze przypisują wygląd ozdoby roślinnej sztuce starożytnego Egiptu, należy jednak zaznaczyć, że najstarsze elementy zdobnictwa roślinnego podlegały geometryzacji. Następnie abstrakcyjny wzór geometryczny połączono z konwencjonalnie realistycznymi wzorami roślinnymi i zwierzęcymi. W dekoracji egipskiej często wykorzystywano kwiat lotosu lub płatki lotosu - atrybut bogini Izydy, symbol boskiej mocy natury, odradzającego życia, wysokiej czystości moralnej, czystości duchowej i duchowej. zdrowie fizyczne. Kwiat ten był uosobieniem słońca i jego płatków promienie słoneczne. W ozdobniku wykorzystano wizerunek aloesu – tej odpornej na suszę rośliny symbolizującej życie w innym świecie. Starożytna egipska ozdoba obejmowała stylizowane rośliny wodne: papirus, trzciny, lilie. Spośród drzew szczególnie czczono palmę daktylową i kokosową, jawor, akację, tamaryszek, tarninę, perseę (drzewo Ozyrysa), morwę - ucieleśniały one zasadę afirmującą życie, ideę wiecznego owocowania Drzewo Życia. Wystrój obejmował wieńce z liści, winorośli, pęczki daktyli, łuski z kory drzew itp. (Załącznik 1). Szczególnie popularny był wizerunek chrząszcza skarabeusza. Najczęstszym motywem we wzorach kwiatowych starożytnego Wschodu była rozeta (rumianek, stokrotka). Patrząc z góry, ma wygląd stylizowanej okrągłej głowy, kwitnącego kwiatu. Najprawdopodobniej rozeta, jej okrągły kształt, była postrzegana jako symbol słońca, oznaczający ideę cyklu zjawisk we Wszechświecie, jak mówi wielka Biblia - wszystko wraca do normy . Obraz stożka często występuje w sztuce asyryjskiej. Ma być szyszką i symbolizować odwagę. Z flora zapożyczona dekoracja: palmeta, owoce granatu, owoce ananasa, pęczki daktyli, kłosy, godło boga płodności, zboże itp. Wśród znalezisk archeologicznych Mezopotamii odkryto sztylet, którego ozdoba imituje koronkę tkactwo wykonane ze słomy i włókien konopnych. W wystroju perskim dominowała różnorodność motywów roślinnych, których przedstawienie łączyło konwencjonalność i naturalizm. Elementy roślinne są bardzo różnorodne, co odpowiada bogatej roślinności kraju. Ozdoba wykorzystuje kwiaty goździków, dzikiej róży, żonkili i zawilców. W Persji w zdobnictwie pojawia się stylizowany wizerunek liścia akantu. Kims (fala stylizowanych liści) itp. były szeroko rozpowszechnione. (Załącznik 2). W epoce hellenistycznej wizerunki tkanych owoców i kwiatów pojawiły się w postaci girland i wieńców, a liście akantu i palmety zaczęto uzupełniać wąsami (łodygami), w które wplatano postacie ludzi i zwierząt. Głównymi rzymskimi elementami zdobnictwa roślinnego są akant, dąb, liście laurowe, pędy pnące, kłosy kukurydzy, owoce i kwiaty. Często mają prawdziwy kształt. Ozdoby kwiatowe niosły ze sobą pewne symbole i alegorie, dlatego dąb uważany jest za symbol najwyższego niebiańskiego bóstwa. Biorąc pod uwagę język chiński styl botaniczny, należy zauważyć, że stał się wzorem dla artystów japońskich, ale stworzyli oni własny, niepowtarzalny system artystyczny. W Japonii, podobnie jak w Chinach, motywy i elementy ozdób roślinnych zawsze niosą ze sobą tajne znaczenie lub symbolikę: pomarańcza – prokreacja, lotos – czystość, wiśnia (sakura) – czułość, bambus – wytrwałość i odwaga. Na początku XVII wieku szczególnie popularny był motyw kwitnących piwonii – symbolu szlachetnej, szlachetnej osoby. Symbolem władzy cesarskiej w Japonii jest stylizowany kwiat chryzantemy o sześciu płatkach, uosabiający słońce oświetlające swymi promieniami Krainę Wschodzącego Słońca. (Załącznik 3). W historii średniowiecznego zdobnictwa roślinnego dużą rolę przypisuje się sztuce Arabów, a następnie innych narodowości wyznających islam. Istnieją dwa główne rodzaje ozdób muzułmańskich, które mają nieskończoną różnorodność opcji - islimi roślinne (wzór elastycznych, pnących łodyg roślin, pędów, usianych liśćmi i kwiatami) oraz geometryczny girikh. Islimi i Gerikh są zawsze ściśle matematycznie weryfikowane i obliczane. Ich opcje i kompozycje są różnorodne i nieograniczone. W Europie popularne stały się nazwy moreska – fantazyjny ornament geometryczny i arabeska – ozdoba o kształtach roślinnych. Jedną z cech wystroju arabskiego jest dywan ozdoba, w której wzór pokrywa całą powierzchnię przedmiotu zgodnie z zasadą strach przed pustką . Wśród roślin najczęstszymi kwiatami są tulipany, goździki, hiacynty, pędy rośliny pnące, przedstawiony w formie naturalnej lub stylizowanej. Róże i granaty cieszyły się ogromną popularnością, symbolizowały życie w niebie. 1.2 Ozdoba kwiatowa w kulturze zachodnioeuropejskiej
Sztuka chrześcijańska zachodnioeuropejskiego średniowiecza to jeden z najważniejszych okresów w sztuce pięknej i dekoracyjnej. Ozdoba kwiatowa zawiera elementy dekoracyjne oraz motywy starożytnego Rzymu, Bizancjum, lokalnych plemion, w szczególności Celtów, Franków itp. Należy jednak zauważyć, że ozdoba kwiatowa nie zyskała niezależnego znaczenia jako odrębny typ. Znaczenie symboliczne nadali obrazowi boleń i chaber (symbole zła), goździki (symbol ucieleśnienia męki Chrystusa). W dekoracji romantycznej dominowała ligatura (motyw plecionki). Okres gotyku średniowiecza jest bogatszy zdobniczo i bardziej symbolicznie. W wystroju gotyckim duże miejsce zajmowała zwłaszcza dekoracja z form roślinnych kolczaste rośliny, zaczerpnięte bezpośrednio z natury i dokładnie odtworzone we wzorach - liście i winorośle winogron, bluszcz, liście dębu, klonu, piołunu, paproci, ostu. Często spotykane są kompozycje ozdobne składające się z przeplotu winorośl(symbol Chrystusa) z cierniowymi gałązkami (symbol męki). Szczególną popularnością cieszyły się krzyżowce i kraby (rośliny pnące). W okresie renesansu ozdobnikom i dekoracjom przypisywano jedynie rolę dekoracji. Artyści włoskiego renesansu sięgnęli po dziedzictwo starożytnego Rzymu, m.in. przeplatając girlandy kwiatów i owoców w groteskowej kompozycji. W połowie XVI wieku, w związku z rozwojem druku, doskonałość osiągnęła zdobnictwo typograficzne, drukowane z zestawu matryc, na których odlewano lub grawerowano wdzięczne arabeski. Kultura artystyczna XVII i XVIII wieku jest wieloaspektowa i sprzeczna. W tym okresie jest ich kilka kierunki stylu. Najbardziej zauważalny w XVII wieku był styl barokowy, w którego zdobnictwie dominowały różne odmiany motywów liści akantu. Bukiety, girlandy i wianki cieszą się dużą popularnością. Wzory zdobnicze mają głównie kształt litery S i C. We Francji w epoce baroku ozdoby składające się z indywidualne kolory i bukiety, przeplatające się girlandy kwiatowe, kosze. Klasycyzm wprowadził do wystroju i zdobnictwa proste i surowe motywy, w których najpopularniejsze były girlandy kwiatowe i kosze z kwiatami. Na styl Empire wpłynął okres egipski – w wystroju pojawiły się kwiaty lotosu. Styl Empire różni się jednak od klasycyzmu. Klasycyzm jest przyjazny, lekki, jasny, a styl Empire jest surowy, uroczysty i pompatyczny. Odrodzenie zdobnictwa nastąpiło na przełomie XIX i XX wieku, w okresie secesji. Można powiedzieć, że ten nowy styl kultury artystycznej globalnie objął cały świat, otrzymując w różnych krajach własną nazwę i nadając mu cechy narodowe. Łączył zasady szlachetne, dekoracyjne i zdobnicze oraz syntetyzował jedność artystycznego wyrazu wszystkich form sztuk pięknych i wzornictwa. Kwestia ornamentu, jego roli w secesji, jego zdolności do przekazywania swoich zasadniczych cech innym formom sztuki jest bardzo ważna dla zrozumienia tego stylu. Jak wspomniano powyżej, ornament ma na pierwszym miejscu zdolność przenikania do różnych rodzajów sztuki i, jeśli to możliwe, nadawania nowego znaczenia, które wcześniej nie było kojarzone z ozdobą. Ozdoba ma dwojaką naturę: z jednej strony może istnieć jedynie w połączeniu z jakimś przedmiotem, może być na czymś umiejscowiona, z drugiej strony może być niejako wyrwana z kontekstu rzeczy i wykonana przedmiot izolowanych badań, przedmiot rozważań, w którym zostanie oddzielony od obiektywnego świata, który zdobi. Ozdoba znajdująca się na przedmiocie różni się od obrazu sceny na tym samym przedmiocie. Ta ostatnia ma swoją przestrzeń, a ozdobny wzór łączy się z dekorowaną powierzchnią. Zdaniem D. Sarabianowa: Sytuacja z ornamentem, która pojawiła się w XIX wieku, pokrywa się z tą, która pojawiła się w dziedzinie syntezy. W realizmie i impresjonizmie dominowały formy sztalugowe. Architektura eklektyczna wprawdzie zwróciła się w stronę ozdób historycznych i chętnie je wykorzystywała, lecz ozdoba ta nie żyła w tej architekturze, była ona mechanicznie osadzana, nakładana na ściany. W międzyczasie badano ornament i poznano jego historyczne przemiany. .
Pragnę zauważyć, że secesja to okres rozwoju sztuki europejskiej przełomu XIX i XX wieku, którego główną treścią była chęć artystów skontrastowania swojej twórczości ze sztuką drugiej połowy XIX wieku. wiek. Chronologicznie zakres sztuki współczesnej jest bardzo wąski: około 1886 - 1914. Modernizm to nie jeden styl, ale wiele różne style a ruchy tworzące ten okres mogą być nie mniej ważne niż renesans XVI wieku. Pojawiły się cechy ozdobnych wzorów, ujawnione w wykwintnych, elegancko wydłużonych splotach, krętych, płynnych, niespokojnie napiętych i ostro zrelaksowanych liniach, które stanowiły podstawę stylu secesyjnego. Linia ta została nazwana - cios biczem . Termin ten wywodzi się ze wzoru na haftach zasłon Fiołki alpejskie, stworzony na podstawie rysunku szwajcarskiego artysty Hermanna Obrista. Wzór aktywnie podkreślał wyszukane pociągnięcia łodyg, z którymi niektórzy krytycy porównywali te wyrafinowane linie wielopoziomowe krzywizny spadającej plagi . W malarstwie styl secesyjny ma charakterystyczne cechy: wdzięczne formy, wydłużone figury, podkreślone kontury, precyzyjne jednokolorowe powierzchnie. Co ciekawe, faliste, wygięte, poskręcane, latające linie, płaskie kontrastowe zestawienia kolorystyczne i zdobnictwo przywracają malarstwu dekoracyjność. Na zdjęciu widać płaskie, czasem przypominające wiszące na ścianie elementy aplikacji. Styl secesyjny charakteryzuje się dekoracyjnością zewnętrzną. Do dekoracji wykorzystuje się motywy roślinne, stylizuje się je w celu wykorzystania powstałego efektu w module, w kompozycji zdobniczej. Główną rolę odgrywają piękne pływające linie, pojedynczo lub delikatnie naciągnięte pokrywające powierzchnię. Często w kompozycjach wśród motywów roślinnych pojawiają się wdzięczne postacie kobiet, skrzydlatych wróżek i innych stworzeń, pojawiają się ptaki. Bardzo ważna cecha to linia – główny środek wyrazu tego stylu. Ozdoba stała się także ucieleśnieniem nowych rozwiązań stylistycznych. Artyści zaczęli ożywiać dekorację i wkrótce przywrócili jej dawną rolę, jaką pełnił w każdym stylu. O ornamentyce zaczęli pisać także artyści-teoretycy. Van de Velde poświęca mu w swojej książce wiele miejsca Renesans we współczesnej sztuce użytkowej (1901). pisze: Ozdoba powinna kierować się tymi samymi prawami, jakim podlega inżynier w swojej pracy; próbowałam porównać zdobnictwo do technologii... . . Należy zwrócić uwagę na zasadnicze stanowisko: ozdoba musi być nowa i odpowiadać stylowi nowoczesnemu. Badacze secesji słusznie podają zdobnictwo wielka wartość. Fritz Schmalenbach już w latach 30. podjął próbę zakwalifikowania podstawowych walorów stylu poprzez zdobnictwo. A 20 lat później, w 1956 roku, Delf Sternberger stwierdził z całą swoją szczerością: Niezwykle ważne jest, aby secesja zaczynała się od ozdoby... .
Jeden z historyków stylu, Rainer Grünther, pisze: Ozdoba secesyjna nie zdobi, jest ozdobą samą w sobie. Jego funkcja aplikacyjna staje się celem samym w sobie. Nie dekoruje: sama jego dekoracja okazuje się autonomiczną formacją artystyczną. Ozdoba secesyjna nie jest ozdobą przedmiotów, lecz ozdabia przedmioty . Ta autonomia ozdoby zamienia ją w niezależne gatunki sztuce, co daje mu prawo do uczestniczenia w procesie wzajemnego wnikania sztuki. Zastanówmy się nad tymi przenikaniami sztuki pięknej z ornamentem, włączeniem w nią malarstwa, grafiki i rzeźby. Zarówno dzieła sztuki, jak i ozdoby wywodzą się z natury organicznej. Do secesyjnych motywów dekoracyjnych zaliczają się stylizowane kwiaty i pąki wodne o wąskich, długich łodygach i liściach: lilie, lilie wodne, trzciny, a także kwiaty i pąki irysów, storczyków, cyklamenów, chryzantem itp. Wśród motywów roślinnych popularne były także kwiaty dzikie i leśne: stokrotki, chabry, mlecze, konwalie i konwalie. Formy naturalne podkreślały dynamikę wzrostu i ruchu. Ozdoba secesyjna została obdarzona symbolicznym znaczeniem, metaforą i mistycyzmem. Na przykład: pączek jest symbolem pojawienia się nowego życia. Sztuka japońska miała ogromny wpływ na zdobnictwo secesyjne. I jeszcze jedną cechą secesji jest to, że zwraca się w stronę narodowej sztuki zdobniczej i zdobniczej, w stronę artystycznych tradycji ludowych. Rozważając motyw drzewa – symbolu drzewa życia, drzewa wiedzy, należy zauważyć, że sam obraz drzewa, nie w krajobrazie, ale w sensie symbolicznym, znajduje swoją realizację właśnie w ornamencie. Wobec braku najpełniejszej definicji ozdoby, wszyscy badacze zgodnie uznają znaczenie ozdoby, jej znaczenie w ocenie jej możliwości. . .
Większość badaczy stylu secesyjnego jest zdania, że ornament odgrywa znaczącą rolę w kształtowaniu i rozwoju stylu. Ozdoba w secesji miała nie tylko znaczenie dekoracyjne, ale miała głębokie znaczenie symboliczne i rozszerzyła swoją moc na formy sztalugowe. Ważne jest pragnienie mistrzów zdobnictwa, aby nadać swoim obrazom znaczenie symboliczne. Naturalnie, symbolika w ozdobniku była już konsekwencją symboliki w sztuce. Taki wygląd symbolu stanowił jedną z najważniejszych cech zdobnictwa secesyjnego. Ozdoba przez długi czas żyła starą semantyką, która dawno straciła swoje znaczenie, nie była dostrzegana, nie była realizowana przez samych artystów. Dlatego na pierwszy plan wysunęła się dekoracyjna esencja wzoru zdobniczego. Teraz dzięki symbolice pojawiła się nowa semantyka. Znamienne jest, że w połowie XIX wieku wiele krajów zainteresowało się zdobnictwem i stworzyło wzory i atlasy kwiatów do celów zdobniczych. Ale ozdoba, uzupełniająca swój arsenał za pomocą naturalnych obrazów świata roślin, nie mogła nabrać nowego znaczenia. Nową semantykę mógł zapewnić jedynie obraz symboliczny, umowny znak rzeczywistości, a nie fragment wzięty bezpośrednio z rzeczywistości. Ozdoba, bardziej niż jakikolwiek inny rodzaj twórczości figuratywnej, żyje raczej konwencjonalnymi niż naturalnymi formami. Naturalizm niszczy ornament i ozdobne myślenie. Jasne jest zatem, że konwencjonalny, symboliczny obraz w secesji przyniósł ocalenie ornamentowi. Figura, przedmiot, fragment figury lub przedmiotu zamieniła się w plastikowy symbol, w plastyczną metaforę. Nawet prosta linia, po prostu kombinacja linii, za którą nie stoi żaden realny prototyp obiektu, ale często stanowi podstawę wzoru ozdobnego, nabrała znaczenia przenośnego. Liniowa kombinacja może stworzyć wrażenie napięcia lub relaksu, wznoszenia się lub opadania. Tę zdolność linii do wyrażania siebie osiągnięto także najpierw w malarstwie i grafice. W połowie XIX wieku linia w malarstwie, a nawet grafice pełniła przede wszystkim rolę ogranicznika objętości w przestrzeni. Często zdolności ekspresyjne linii schodziły na dalszy plan. Nawet w impresjonizmie były one znacznie gorsze od wyrazistych możliwości koloru i pociągnięcia pędzla. Nowoczesność uwolniła linię dla niezależności znaczący wyrazistość. Nie mogło to nie wpłynąć na losy ozdoby. Niewątpliwie sztuki piękne Secesja wywarła wpływ na zdobnictwo, ale równie niezaprzeczalny, a nawet bardziej aktywny jest proces odwrotny – proces wchodzenia ornamentu do innych form sztuki. Malarstwo i grafika okazują się w tym procesie stroną otrzymującą, a zdobnictwo stroną dającą. Podsumowując ten rozdział, możemy stwierdzić, że styl w sztuce każdej epoki to historycznie ustalona jedność systemu figuratywnego, środków i metod wyrazu artystycznego. Podstawą każdego stylu jest jednolity system form artystycznych generowany przez wspólnotę ideologiczną i metodologiczną, która powstała w określonych warunkach społecznych i ekonomicznych. Tworząc system figuratywny nowego stylu, ornament roślinny jest jednym z jego najważniejszych elementów i należy do tych środków wyrazu artystycznego, które pozwalają bezbłędnie określić, czy dane dzieło sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy do danego stylu. Widzimy, że w procesie kształtowania się stylu niosącego nowe ideały artystyczne, w sztuce użytkowej pojawiły się i powstały nowe motywy zdobnicze. rozwiązania dekoracyjne. Deklaracje nowoczesności oparto więc na słynnym zdaniu F.M. Dostojewski: Piękno zbawi świat .
W tym sensie secesja w pełni potwierdziła zadanie, jakie sobie postawiła – stworzenie pięknego stylu na piękne życie. Z biegiem czasu zdobnictwo wykształciło swój własny styl, który odpowiadał wymaganiom i prawom sztuki znanych ludów różnych epok artystycznych. Rozdział 2. Kolejność zakładek na dany tematOzdoba kwiatowa w stylu Art Nouveau
2.1 Etap poszukiwawczy, sprzęt i technologie ozdoba dekoracyjna w stylu secesyjnym Tworzenie stylizowanego dzieła sztuki to złożony proces twórczy: artysta za pomocą tego rodzaju sztuki ucieleśnia swój plan, swój pomysł artystyczny. Podstawą tego procesu twórczego jest poszukiwanie harmonii kompozycji, rytmu zdobniczego, koloru i materiału. Techniki kompozycji we wszystkich dziełach sztuki pozostają w ścisłym związku z główną koncepcją ideową artysty, emocjonalną strukturą jego natury. Praca nad kompozycją polega na świadomym odnajdywaniu rozwiązań kompozycyjnych w każdym indywidualnym przypadku, w zależności od postawionych zadań, na całym twórczym podejściu do świata. O charakterze kompozycji ornamentu roślinnego w dużej mierze decyduje rytm – jeden z najważniejszych środków artystycznych tworzenia dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Rytm to naturalna przemiana współmiernych elementów rysunku, przyczyniająca się do osiągnięcia przejrzystości i wyrazistości kompozycji, przejrzystości jej percepcji. Strukturę rytmiczną w wzorze ozdobnym uzyskuje się za pomocą różnych technik: )Rapportowe powtórzenie wzoru, w którym elementy kompozycji przeplatają się równomiernie na płaszczyźnie produktu, w oparciu o różnego rodzaju siatki (kwadraty, trójkąty, romby, prostokąty) ułożone w określonej kolejności; )Ułożenie elementów wzoru według rytmu malejącego lub rosnącego stwarza wrażenie stopniowego wypierania jednego koloru przez drugi; )Symetryczny projekt rysunku. Symetrię należy rozumieć nie tylko jako lustrzane powtórzenie wzoru względem osi pionowej lub poziomej. Może mieć kierunek ukośny lub dowolne nachylenie. Często rytmiczną organizację wzoru rozumie się w uproszczeniu jedynie jako symetryczne dwu- lub czterokrotne powtórzenie motywu. )Swobodne rozmieszczenie ozdoby na całej płaszczyźnie dekorowanej rzeczy. Za naszą pracę na kursie Ozdoba kwiatowa w stylu Art Nouveau Uważamy, że ze wszystkich możliwych konstrukcji najciekawsza jest konstrukcja symetryczna względem osi pionowej i poziomej. Dzięki takiej strukturze kompozycyjnej uzyskuje się połączenia mechaniczne na styku powtarzających się grup ozdobnych, a projekt logicznie rozwija się zgodnie z zamierzonym rozwiązaniem. W tak stylizowanym rysunku bardzo ważne staje się piękne i wyraźne narysowanie szczegółów przy użyciu technik obrazkowych, które wzbogacają rysunek. Praca artysty nad dziełem rozpoczyna się od wyboru tematu zgodnie z przeznaczeniem produktu. Na tym etapie szczególnie ważne są nie tylko konkretne informacje zawarte w ukazanych elementach, ale także dekoracyjny obraz i struktura emocjonalna, którą artyści starają się przekazać różnymi środkami. Podstawą stworzenia artystycznego ornamentu roślinnego jest przemyślany i przemyślany schemat kompozycyjny. Należy zacząć od naturalnej wielkości szkicu schematu kompozycyjnego. Zgodnie ze schematami konstrukcyjnymi i charakterem interpretacji ornamentu, rozwiązania kompozycyjne są dwojakiego rodzaju: statyczne i dynamiczne. Dla naszej kompozycji najbardziej organiczny byłby schemat dynamiczny (ruchomy), który może być symetryczny lub ewentualnie naruszać symetrię i nie zawsze wymaga ścisłej interpretacji ornamentu. Kompozycja ta oddaje stan spokoju i równowagi, gdzie wzór leży na osi pionowej, a kwiaty i liście są przedstawione na energetycznie i elastycznie wygiętych gałęziach. Trwają szkice na różne sposoby i techniki. O tych metodach i technikach decydują przede wszystkim cele i zadania wyznaczone podczas wykonywania szkiców, indywidualne cechy przedstawionej formy oraz poziom biegłości środki wizualne. Tak przedstawiamy bochenek - używamy ołówka i szkicujemy wyłącznie liniami, a przy wykonywaniu ażurowego splotu bochenka można posłużyć się ołówkiem lub tuszem. Tak więc, wykonując praktyczną część zajęć, zastosowaliśmy jeden z najczęstszych sposobów wykonywania szkiców - konstruowanie ich liniami ciągłymi, próbując oddać ich plastyczność, płynność formy roślinne. Kreskę rysowaliśmy nie krótkimi pociągnięciami, ale długimi pociągnięciami, obejmującymi całą zamierzoną stylizowaną kompozycję. Każda roślina ma swój własny kształt, rozmiar, liście i łodygi są inne. Na stylizowanym obrazie rośliny wyglądają płasko, przypominając romb, pięciokąt, trójkąt, kulę, stożek, piramidę. Części budujemy symetrycznie, a wraz z badaniem ogólnego projektu konstrukcyjnego dokładnie analizujemy cechy indywidualne formy w zależności od tego czy innego położenia w przestrzeni. Prostata struktury strukturalnej stylizowanych roślin pozwala od razu zacząć od nakreślenia ich ogólnego położenia przestrzennego. Ale jednocześnie stajemy przed zadaniem prawidłowego zdefiniowania i pokazania na rysunku jedności kompozycyjnej całej grupy, charakterystycznych wzorców położenia kwiatów i liści w stosunku do całej grupy kompozycyjnej. Musisz dobrze wyczuć naturę grupowania różnych kolorów. Bardzo ważnym punktem jest wybór skali obrazu zgodnie z wybraną zakładką. Tworząc prace z motywami kwiatowymi, należy zwrócić szczególną uwagę na stopień artystycznego uogólnienia obrazu. W tym celu zapoznałem się z twórczością artystów: A. Muchy, O. Beardsleya, G. Velde, A. Mathisa, E. Munna, wielkich mistrzów epoki secesji, którzy odnaleźli przejście od naturalnej formy rośliny do swój dekoracyjny wyraz, nie tracąc przy tym prawdziwego wizerunku roślin. Najważniejszym miernikiem artystycznym naszej pracy jest przemyślana ogólna kolorystyka. Kompletne rozwiązanie całego projektu jest możliwe tylko przy uogólnieniu form zdobniczych; fragmentaryczny ornament charakteryzuje się różnorodną kolorystyką, nietypową dla stylu secesyjnego. Tematyczne kompozycje zdobnicze w naszych zakładkach, przede wszystkim kompozycje na płaszczyźnie. Ponieważ w sztuce dekoracyjnej nie liczy się informacja, lecz skojarzenia figuratywne, elementy wizualne można interpretować z różnym stopniem konwencji, zawsze jednak dekoracyjnie, a nie iluzorycznie. Poszukując rozwiązania kolorystycznego, odkryliśmy, że problematyka zestawień kolorystycznych od dawna przyciąga uwagę badaczy. Kolor stylizowany na kwiaty dzieło sztuki jest środkiem wiernie odzwierciedlającym rzeczywistość, środkiem odkrywania treści. Decydującą rolę odgrywa podmiotowo-semantyczne znaczenie koloru. Wzory harmonii kolorystycznej w stylizowanej sztuce zdobniczej, gdzie kolory są warunkowe i nie oddają barwy przedmiotów znajdujących się w określonych warunkach środowiska naturalnego inaczej niż w sztuce realistycznej. Znaczenie i kompozycyjne uzasadnienie każdego koloru oraz specyfika pomiędzy kolorami również odgrywają tu rolę. Ale o semantycznym uzasadnieniu barwy elementów naszego ornamentu decyduje rola każdego z nich w ogólnej kompozycji zdobniczej. Jako podstawa harmonijne połączenie Do wzoru i koloru zakładki zastosowaliśmy schemat z 1918 roku, charakterystyczny dla stylu Art Nouveau. Ponieważ w stylu secesyjnym dominują kolory: srebrny, jasnozielony, metaliczny, perłowy, liliowy, beżowy, odcienie nie powinny być jasne, stonowane, lepsze są półtony, wówczas do naszej ozdoby użyliśmy palety jasnozielonej i liliowej. Linia rysunku jest dynamiczna i swobodna. Forma jest racjonalna, swobodna, symetryczna. 2.2 Historia koloru zdobniczego w sztuce zdobniczej i użytkowej
Kolor zawsze był ważnym elementem zrozumienia natury. Nasze postrzeganie koloru zależy od oświetlenia i tekstury powierzchni. Chęć udekorowania swojego domu, przekształcenia tego, co nas otacza, jest jednym z ludzkich instynktów. Dowodem na to są malowidła naskalne naszych przodków. Na przykład człowiek epoki paleolitu tworzył sztukę dwuwymiarową, w której w równym stopniu posługiwał się rysunkiem, jak i kolorem: sceny z życia zwierząt, pewne symbole, w których splatają się rzeczywistość i mity. Prosta paleta prymitywnego artysty – ziemia, kamienie, zwierzęca sierść, ich krew – to co było zawsze pod ręką. Na malowidłach ściennych starożytnego Egiptu przez 3 tysiąclecia grafikę wyznaczały płaskie wizerunki ludzi i hieroglify, a kolor dodawał rysunkom szczególnej ulgi i symbolicznego brzmienia. Dlatego zawsze wybierano czerwoną ochrę dla męskich ciał, żółtą ochrę dla kobiecych ciał. W krajobrazach też wszystko było proste: niebo było niebieskie, pustynia czerwona, rzeka niebieska. Malarstwo egipskie zostało wykonane temperą. Farby mieszano z rozpuszczoną w wodzie miedzią i nakładano na tynk cienkimi ruchami. Kontury rysunków obrysowano czerwoną ochrą. Farby wyschły i zmatowiły, warto wspomnieć także o czarnych liniach sylwetek ludzkich. Dzięki nim postacie zdawały się wystawać ponad powierzchnię ściany, przypominając nieco płaskorzeźby. Takie były cechy malarstwa wnętrz w starożytnym Egipcie. Paleta starożytnych Greków była podobna do palety egipskiej. To prawda, że Grecy wzbogacili go czerwonymi i białymi farbami ołowiowymi. Dekoracją często była czarna, a także tytoniowa, ciemnożółta i pomarańczowo-czerwona terakota. Dużą popularnością cieszyły się odcienie czerwieni, żółci, błękitu, zieleni i złota. Podczas wykopalisk w Pompejach odkryto pomieszczenia pomalowane na głęboką czerwień, a także przepiękne malowidła ścienne, tzw oszustwa (z francuskiego obraz tworzący iluzję rzeczywistości ). Popularne były także wykończenia marmurowe. Farby powstały na bazie pigmentów ziemnych i mineralnych z dodatkiem wosku i żywicy. Ukończone obrazy wypolerowano marmurowymi wałkami i kawałkami materiału, po czym przystąpiono do pracy grać .
W średniowieczu w feudalnej Europie tajniki wytwarzania farb przeszły pod kontrolę cechu farbiarzy. Szkolenie postawiono na poziomie profesjonalnym, a tajemnice nie zostały ujawnione. Dodajmy do tego postęp techniczny – a arsenał artystyczny projektanta pracującego w kościołach, pałacach, zamkach i rezydencjach zaczął wyróżniać się niezwykłą różnorodnością. W tej epoce w sztuce dekoracyjnej wyłoniły się trzy główne style: romański (połączenie klasycznych form i motywów rzymskich, orientalnych, pogańskich i chrześcijańskich), gotycki (koronki, ostrołukowe łuki, ostre iglice, wzory kwiatowe) i heraldyczny (ideologia rycerskości, fetysz szlacheckiego pochodzenia). Na bogatych ceremonialnie dziedzińcach farbę nakładano bezpośrednio na kamień lub powierzchnie drewniane jak tynk lub płytki. Szczególną rolę odgrywał jednak kolor baldachimów, poduszek i dywanów przywiezionych z Dalekiego Wschodu. W późnym średniowieczu do tkania dywanów stosowano barwniki roślinne i mineralne, z dużą wyobraźnią i delikatnym smakiem. Podstawowe kolory to odcienie czerwieni, błękitu, żółci i brązu. W dywany i gobeliny wplatano złote i srebrne nici. Zastosowano także dodatkowe odcienie, uzyskane poprzez zmieszanie farb: fioletowej, rubinowej, niebiesko-czarnej; składnikami utrwalającymi farb były cynk i aluminium. W okresie renesansu twórcy inspirowali się sztuką Starożytna Grecja a zwłaszcza starożytny Rzym. W modzie była szeroka gama kolorów - miękkie i jasne, ciemne i ponure, dźwięczne i bogate. W Europie kontynentalnej aktywnie rozwijał się styl rokoko - złoto, biel, kość słoniowa, pastelowe kolory. Pod koniec XIX wieku świat rozczarował się wnętrzami wysoki Wiktoriański, w bogatej kolorystyce. Pionierzy ruchów zachowywali się jak innowatorzy Sztuka i rzemiosło I Estetyka . Lekka paleta Estetyka zwykle zawiera kolory, takie jak kość słoniowa, jasnoszary, oliwkowy. Przedstawiciele Sztuka i rzemiosło podzielałem te upodobania, ale wybrałem stonowaną tonację – kolor burgundzkiego wina, niebieski hiacyntI stara róża .
Prawdziwe zerwanie z wiktoriaństwem nastąpiło jednak na początku XX wieku, kiedy pod auspicjami ruchu zjednoczyli się zwolennicy nowej sztuki nowoczesny . Pojawiło się nowe uzależnienie – od koloru białego. Moderniści tak wyjaśniali swoją miłość: Wiek maszyn jest wiekiem racjonalistycznego myślenia . Projektanci chętnie sięgali po inne kolory, o ile nie zniekształcały one kształtu, dlatego postawili na odcienie białawe. Będąc sztywną doktryną scholastyczną, ukształtowaną przez niewielką grupę europejskich intelektualistów, modernizm przyniósł jednak pewne rezultaty: na całym świecie powstało wiele budynków w tym stylu, eleganckich w swojej surowości, połączonych ze śmiałą wyobraźnią autorów. Bezprecedensowa ilość informacji ostatecznie doprowadziła do tego, że nowoczesny design We wnętrzach i architekturze pojawiło się wiele różnych stylów i trendów. 2.3 Wybitni artyści współcześni
Nowoczesność w literaturze przedmiotu jest definiowana jako kierunek stylistyczny w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku . . Jego charakterystyczne cechy są: odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz bardziej naturalnych, naturalny kwestia. W innych krajach nowoczesność nazywa się tak samo: muślin (o nazwie EC Tiffany) w USA, nowoczesne stado (nowoczesny styl) w Anglii, styl wolnościowy we Włoszech, modernizm w Hiszpanii, Secesja (nowa sztuka) we Francji, secesja w Niemczech, styl świerkowy w Szwajcarii. Art Nouveau dążył do ujednolicenia stylu syntetycznego, w którym wszystkie elementy pochodzące z otoczenia człowieka zostały wykonane w tej samej tonacji. Jak powiedzieliśmy powyżej, modernizm to nie tylko jeden styl, ale wiele różnych stylów i trendów. Wśród głównych ruchów sztuki współczesnej zwykle wyróżniają się: sztuka kwiatowa lub Secesja , neoromantyczny (narodowo-romantyczny), racjonalny lub geometryczny, neoplastycyzm , neoklasycyzm. Nowoczesność chciała wchłonąć wszystko. Ale sztuka współczesna miała swoich poprzedników. Są wśród nich W. Morris, J. Roeslin oraz angielscy graficy Crane i Blaine. Twórcy niemieckiej secesji – innowacyjni artyści Otto Ekman, Peter Behrens, August Endel wierzyli, że wszystko, co stworzył człowiek, jest sztuką. Główną cechą secesji jest przejaw ludzkich namiętności (słynny Pocałunek P. Behrens) stał się jednym z pierwszych rozwiązań tego motywu. Każda szkoła narodowa nadała oblicze nowoczesności inny wyraz, nie ma bowiem kraju europejskiego, który nie miałby swojego własny styl nowoczesny Na początku stulecia secesję nazywano nie stylem artystycznym, ale stylem życie . Faliste linie zdobnictwa secesyjnego porównano ze sztuką kreteńsko-mykeńską. Motyw zakrzywionej linii stał się definiującym elementem formalnym we wszystkich formach sztuki. Pierwszy krok w tym kierunku zrobili angielscy graficy i architekci (Mac Mardo Arthur, Crane Walter), następnie Belgowie, artyści paryscy, wiedeńscy i monachijscy. Zwrócili się nie ku sztuce przeszłości i nie przyszłości, której jeszcze nie widzieli, ale ku naturze. Stąd pierwszy, naturalistyczny, kwiatowy ruch secesji, w którym kopiowano formy naturalne, przede wszystkim roślinne, podkreślając ich dynamikę, ruch, wzrost - linie pnących się, falistych roślin. W architekturze linię krzywą po raz pierwszy zastosował Belg V. Orta we wnętrzach rezydencji Gasselów (1839). W 1895 roku naukowiec, przyrodnik i artysta H. Obrist wykonał gobelin przedstawiający pętelkową łodygę kwiatu cyklamenu. Dziennikarze nazwali tę charakterystycznie zakrzywioną linię cios biczem . W 1894 roku belgijski malarz, a następnie architekt A. Van de Velde programowo przyjął w swojej twórczości termin secesja. Ten wybitny mistrz głosił słynne hasło Powrót do natury , co stało się jednym z głównych haseł nowy styl . W przyrodzie nie ma linii prostych , – lubił podkreślać Gaudi, król stylu secesyjnego. Ulubione motywy współczesnych artystów - fala morska, łabędzia szyja, ospały postacie kobiece z luźnymi, falowanymi włosami, w rozwijających się fałdach ubrań. Van de Velde starał się wyrazić swoje uczucia dotyczące tego stylu w sposób całościowy: od malarstwa i grafiki po projektowanie budynków, projektowanie wnętrz i odzież. Później stało się to główną zasadą stylu secesyjnego. Chcę sztuki, chcę kształtów, harmonii i linii – ogłosił jeden z twórców secesji, architekt Henry Van de Velde. Wyraził w ten sposób główną tendencję stylu, dążenie do zdobnictwa, które nie tylko pełniło funkcję dekoracyjną, ale stało się także samą istotą nowej sztuki. Ze szczególną przyjemnością modernistyczni artyści rysują krzywe, których kształt przechodzi od wklęsłego do wypukłego. Od początkowego kopiowania artyści coraz częściej zmierzają w stronę stylizacji – w tym sensie nowoczesność przenika wszystkie aspekty życia, a w sztukach plastycznych staje się podstawą nowej abstrakcji formy. W 1898 roku E. Guimard stworzył swoje słynne kratowe wejścia do paryskiego metra, a w Monachium w tym samym roku - A. Endell - fantastyczny wystrój fasady studia fotograficznego Elwira . Jednak architekci nowy styl nadał formom kwiatowym bardziej złożone znaczenie, wykraczające poza prostą stylizację roślin. Art Nouveau wszędzie sprzyja rozprzestrzenianiu się lekkich, miękkich, delikatnych form. Jego ofensywa nie ograniczała się tylko do obszarów czystej sztuki – malarstwa i rzeźby – ale rozciągała się także na sztuki dekoracyjne – architekturę, sztukę użytkową, grafikę. Zanikają granice pomiędzy poszczególnymi rodzajami sztuki, wszystko bowiem podlega dominacji ornamentu. Jak forma nieokreślona od świata przyrody, tym bliższe jest duchowi modernistycznego artysty. Szybkiemu rozprzestrzenianiu się secesji sprzyjało zbliżenie sztuk pięknych do literatury, a także fakt, że wielu artystów publikowało prace teoretyczne. Ukazywała się bezprecedensowa liczba czasopism i rewii z dziedziny sztuki promujących styl secesyjny. Rozwój nowy styl wniesione przez muzea, szkoły i wystawy sztuki i rzemiosła. Jeśli wymienimy tylko nazwiska najsłynniejszych, najważniejszych artystów, którzy swoimi dziełami zaznaczyli powstanie stylu secesyjnego, to na ich czele stanie czeski Alphonse Mucha. W 1900 roku opublikował słownik elementów nowego nurtu w sztuce, który stał się podstawą twórczości w stylu Art Nouveau. Artysta osiągnął taką sławę, że jego nazwisko zaczęto używać jako międzynarodowego określenia – styl Mucha. Podsumowując ten rozdział, możemy stwierdzić, że ornament roślinny jest zaraz po geometrycznym ozdobą najpowszechniejszą, charakteryzuje się własnymi ulubionymi motywami i, jak wspomniano powyżej, są one różne w różnych krajach i w różnych czasach. Naszym zdaniem dekoracja roślinna, w porównaniu do innych jej rodzajów, daje największe możliwości kreowania różnorodnych motywów, technik wykonania i oryginalnej interpretacji formy. Dobitnym tego dowodem są zakładki do książek wykonane z kwiatowymi wzorami w barwach stepowego Krymu w stylu Art Nouveau. To artystyczna obróbka (stylizacja) różnych form świata roślin. Jak widzieliśmy, podczas stylizacji wszystkie typowe cechy rośliny są wzmacniane zgodnie z jej charakterem, a to, co szczególne lub przypadkowe, zostaje usunięte. Nowy styl charakteryzuje się falistymi, zakrzywionymi liniami, które wyrażają dynamikę w płaszczyźnie. Żadnego nagłego ruchu, wręcz przeciwnie, ruchy są spokojne, płynne. Chciałbym wymienić artystów symbolistycznych, którzy wnieśli ogromny wkład w rozwój stylu secesyjnego: Michaił Vrubel, Gustav Klimt, Henri Matisse, Amedio Modigliani, Henri Rousseau, Ferdinand Hodler, Franz von Stuck, Paul Gauguin, Alphonse Mucha, itp. Wybitnymi przedstawicielami modernizmu w grafice książkowej byli: O. Beardsley, G. Velde, T. Steingan. Wniosek
Na przełomie XIX i XX wieku w historii światowej kultury i sztuki pojawił się nowy kierunek, zwany secesją. Jego genezę tłumaczy się chęcią artystów wykroczenia poza granice zamkniętej sztuki klasycznej i stworzenia stylu, który otaczałby człowieka estetycznie wypełnionym środowiskiem tematycznym. Nowoczesność, która pojawiła się na Zachodzie, szybko została przyjęta przez zaawansowane warstwy społeczeństwa kulturalnego w innych krajach, w tym w Ameryce i Rosji. Cechą charakterystyczną nowego stylu jest harmonijne połączenie (jak w naturze) różnorodnych rzeczy i na tym polega jego urok i niepowtarzalność. Epoka potrzebowała artystów o uniwersalnym talencie, którym można było zaufać w realizacji najbardziej cenionego marzenia o fuzji – syntezie sztuk. Z pomocą koncepcje ogólne o otaczającym świecie mistrzowie secesji stworzyli nowy kolor, formę, fakturę i, co najważniejsze, nowy ornament. Chęć stworzenia czegoś nowego na miarę swoich czasów była twórczym credo każdego artysty. Przy całej różnorodności odmian zdobnictwa kwiatowego, które całkowicie zależały od woli i wyobraźni artysty, styl secesyjny zachował jedną orientację ideologiczną i integralność artystyczną. Napięcie, emocjonalność i bogactwo wzoru doskonale odzwierciedlają idee, które zawładnęły umysłami ludzkości na przełomie wieków. . Można powiedzieć, że ten nowy styl kultury artystycznej globalnie objął cały świat, otrzymując w różnych krajach własną nazwę i nadając mu cechy narodowe. Łączył zasady szlachetne, dekoracyjne i zdobnicze oraz syntetyzował jedność artystycznego wyrazu wszystkich form sztuk pięknych i wzornictwa. Jak widać, rozwinęły się osobliwości wzorów ozdobnych, ujawnione w wykwintnych, elegancko wydłużonych splotach, krętych, wijących się płynnych, niespokojnie napiętych i ostro zrelaksowanych liniach, które stanowiły podstawę stylu secesyjnego. Stosunek do zdobnictwa w różnych okresach był niejednoznaczny. Dlatego w XIX wieku było to przedmiotem gorących kontrowersji. W związku z rozwojem przemysłu i zastosowaniem nowych tworzyw sztucznych wielu uważało, że ozdoba straciła swoje znaczenie. Ale obecnie następuje pewna rehabilitacja wystroju, związana z odrodzeniem starożytnych rzemiosł, rzemiosł artystycznych ze zwiększonym zainteresowaniem dawną kulturą narodów. Ponadto w naszych czasach rodzą się zupełnie nowe wzory, których twórcami i nośnikami są różnorodne struktury przestrzenne, wzory na podeszwach butów, opon, nowoczesnych tworzywach sztucznych itp. Yu Gerchug nazwał ozdoby sztuką porządku: Ozdoba porządkuje rzeczy naszego praktycznego świata... Obejmując formy funkcjonalne, architektoniczne czy użytkowe, ozdoba wyznacza pewne sposoby ich percepcji, kieruje ruchem spojrzenia, koreluje całość z jej częściami... Ozdoba może nadać powierzchni charakter otwartego fragmentu, wypełniając ją jednolitą siatką pozwalającą na nieskończoną zabudowę, lub może ją wyraźnie ograniczyć poprzez zakreślenie krawędzi obwódką. Może pomóc w orientacji obiektu, wskazać jego górę i dół, kierunek w prawo i w lewo... Ozdoba, rzeczy podrzędne, skromnie pełniąc funkcję niemal pomocniczą, niemniej jednak rozwija na powierzchni swój własny artystyczny temat. Wznosi przedmiot ponad ograniczenia jego praktycznego przeznaczenia, czyni go nośnikiem pewnej ogólnej zasady, małym modelem harmonijnego porządku świata. Obdarza rzecz swoją zdolnością do generowania rytmów czasu, w widoczny sposób ucieleśnia głębokie idee swojej epoki na temat struktury otaczającego świata . .
Uważamy, że takie stwierdzenie o roli ozdoby w kulturze i sztuce jest w pełni zasadne i słuszne. Zasługą współczesnych artystów jest to, że widzieli to, co nie było dostępne dla wszystkich. Referencje
1.Andreev A.A. Sztuka, kultura, superkultura. - M.: Wiedza, 1991. .Batrakova S.P. Artysta XX wieku i język malarstwa. - M.: Sztuka, 1996. .Borisova E.A., Lwowa E.P., Sarabyanov D.V. Światowa kultura artystyczna. W 4 tomach T 3. księga 1: XIX wiek. Sztuki piękne, muzyka, teatr. - M.: Wiedza, 1986. .Borisova E.A., Sternik G.Yu. Rosyjski nowoczesny. - M.: Artysta radziecki, 1990. .Virmo A.O. Metry światowego surrealizmu. Kompaktowa encyklopedia. - St. Petersburg: Projekt akademicki, 1996. .Gerchug Yu. Historia sztuki. - M.: AST, 1998. .Dołopołow I. Mistrzowie i arcydzieła. B 3 - X T T.2. - M.: Sztuki piękne, 1987. .Iwanowska M.M. Ozdoba w stylu secesyjnym. - M.: W. Szewczuk, 2007. .Historia ozdoby: podręcznik szkoleniowy dla studentów Wyższy Pedagog. Podręcznik Instytucje prowadzące szkolenia specjalistyczne. sztuki piękne /L.N. Budkiewicz. - M.: Humanitarny. wyd. Centrum. WŁADOS, 2008. .Historia stylów w sztuce: podręcznik / N.M. Sokolnikova, V.M. Dźwig. - M.: Gardarika, 2006. .Historia sztuki rosyjskiej i radzieckiej / wyd. D.V. Sarabyanova. - M.: V.Sh., 1979. .Historia sztuki rosyjskiej / wyd. TJ. Grabala. TT. 9-11. - M.: Nauka, 1968. .Kulikova I.S. Filozofia i sztuka modernizmu. - M.: Politisdat, 1980. .Malakhov N. O modernizmie. - M.: Sztuki piękne, 1975. .Mednikova G.S. Kultura ukraińska i obca XX wieku. - K.: Wiedza, 2002. .Miropolskaya N., Belkina E. Kultura artystyczna świata: region europejski. - K.: V.M., 2001. .Misler N., Boupt J., Filonov A. Sztuka analityczna. - M.: Galard, 1990. .Ozdoba / wyd. LV Fokina, seria: najwyższa. Arr. - M.: Feniks, 2007. .Rusakova A.A. Symbolika w malarstwie rosyjskim. - Petersburg: Sztuka, 1995. .Raili N.E. Elementy konstrukcyjne. Rozwój elementów dizajnu i stylu od renesansu do postmodernizmu / Trans. z angielskiego - M.: MAGMA LLC, 2004. .Sarabyanov D.V. Malarstwo rosyjskie XIX wieku Wśród szkół europejskich. - M.: Artysta radziecki, 1980. .Sarabyanov D.V. Sztuka rosyjska końca XIX i początku XX wieku. - M.: MSU, 1994. .Podręcznik światowej kultury i sztuki / wyd. CM. Petkowa. - Rostów nad Donem: Phoenix, 2006. .Szkoła rysunku: Style w sztuce. Ozdoby i motywy dekoracyjne. - M.: AST, 2006. .Yablak S. Symetria, ornament, modułowość. - M., 2006. Aplikacja
Sztuka chrześcijańska zachodnioeuropejskiego średniowiecza to jeden z najważniejszych okresów w sztuce pięknej i dekoracyjnej. Ozdoba roślinna zawierała elementy dekoracyjne i motywy starożytnego Rzymu, Bizancjum, lokalnych plemion, zwłaszcza Celtów, Franków itp.
Należy jednak zauważyć, że ozdoba kwiatowa nie zyskała niezależnego znaczenia jako odrębny typ. Symboliczne znaczenie nadano wizerunkowi żmii i chabra (symbole zła) oraz goździka (symbol ucieleśnienia męki Chrystusa). W dekoracji romantycznej dominowała ligatura (motyw plecionki).
Okres gotyku średniowiecza jest bogatszy zdobniczo i bardziej symbolicznie. Duże miejsce w wystroju gotyckim zajmowała dekoracja form roślinnych, zwłaszcza ciernistych, zaczerpniętych bezpośrednio z natury i wiernie odwzorowanych we wzorach - liście i winorośle winogron, bluszcz, liście dębu, klonu, piołunu, paproci, ostu.
Często spotykane są kompozycje ozdobne polegające na przeplataniu winorośli (symbol Chrystusa) z cierniowymi gałązkami (symbol męki). Szczególną popularnością cieszyły się krzyżowce i kraby (rośliny pnące).
W okresie renesansu ozdobnikom i dekoracjom przypisywano jedynie rolę dekoracji. Artyści włoskiego renesansu sięgnęli po dziedzictwo starożytnego Rzymu, m.in. przeplatając girlandy kwiatów i owoców w groteskowej kompozycji.
W połowie XVI wieku, w związku z rozwojem druku, doskonałość osiągnęła zdobnictwo typograficzne, drukowane z zestawu matryc, na których odlewano lub grawerowano wdzięczne arabeski.
Kultura artystyczna XVII i XVIII wieku jest wieloaspektowa i sprzeczna. W tym okresie istniało kilka trendów stylistycznych. Najbardziej zauważalny w XVII wieku był styl barokowy, w którego zdobnictwie dominowały różne odmiany motywów liści akantu. Bukiety, girlandy i wianki cieszą się dużą popularnością. Wzory zdobnicze mają głównie kształt litery S i C.
We Francji w epoce baroku popularne były ozdoby składające się z pojedynczych kwiatów i bukietów, przeplatających się girlandami kwiatowymi oraz koszami.
Klasycyzm wprowadził do wystroju i zdobnictwa proste i surowe motywy, w których najpopularniejsze były girlandy kwiatowe i kosze z kwiatami. Na styl Empire wpłynął okres egipski – w wystroju pojawiły się kwiaty lotosu. Styl Empire różni się jednak od klasycyzmu. Klasycyzm jest przyjazny, lekki, jasny, a styl Empire jest surowy, uroczysty i pompatyczny.
Ozdoby dekoracyjne w stylu Art Nouveau
Odrodzenie zdobnictwa nastąpiło na przełomie XIX i XX wieku, w okresie secesji. Można powiedzieć, że ten nowy styl kultury artystycznej globalnie objął cały świat, otrzymując w różnych krajach własną nazwę i nadając mu cechy narodowe. Łączył zasady szlachetne, dekoracyjne i zdobnicze oraz syntetyzował jedność artystycznego wyrazu wszystkich form sztuk pięknych i wzornictwa. Kwestia ornamentu, jego roli w secesji, jego zdolności do przekazywania swoich zasadniczych cech innym formom sztuki jest bardzo ważna dla zrozumienia tego stylu.
Jak wspomniano powyżej, ornament ma na pierwszym miejscu zdolność przenikania do różnych rodzajów sztuki i, jeśli to możliwe, nadawania nowego znaczenia, które wcześniej nie było kojarzone z ozdobą. Ozdoba ma dwojaką naturę: z jednej strony może istnieć jedynie w połączeniu z jakimś przedmiotem, może być na czymś umiejscowiona, z drugiej strony może być niejako wyrwana z kontekstu rzeczy i wykonana przedmiot izolowanych badań, przedmiot rozważań, w którym zostanie oddzielony od obiektywnego świata, który zdobi. Ozdoba znajdująca się na przedmiocie różni się od obrazu sceny na tym samym przedmiocie. Ta ostatnia ma swoją przestrzeń, a ozdobny wzór łączy się z dekorowaną powierzchnią.
Według D. Sarabyanova: „Sytuacja zdobnictwa, która pojawiła się w XIX wieku, pokrywa się z tą, która pojawiła się w dziedzinie syntezy. W realizmie i impresjonizmie dominowały formy sztalugowe. Architektura eklektyczna wprawdzie zwróciła się w stronę ozdób historycznych i chętnie je wykorzystywała, lecz ozdoba ta nie żyła w tej architekturze, była ona mechanicznie osadzana, nakładana na ściany. W międzyczasie badano ornament i poznano jego historyczne przemiany.” .
Pragnę zauważyć, że secesja to okres rozwoju sztuki europejskiej przełomu XIX i XX wieku, którego główną treścią była chęć artystów skontrastowania swojej twórczości ze sztuką drugiej połowy XIX wieku. wiek. Chronologicznie zakres sztuki współczesnej jest bardzo wąski: około 1886 - 1914. Secesja to nie tylko jeden styl, ale wiele różnych stylów i ruchów, które składają się na okres nie mniej ważny niż renesans XVI wieku. Pojawiły się cechy ozdobnych wzorów, ujawnione w wykwintnych, elegancko wydłużonych splotach, krętych, płynnych, niespokojnie napiętych i ostro zrelaksowanych liniach, które stanowiły podstawę stylu secesyjnego. To zdanie nazwano „uderzeniem bata”. Termin ten wywodzi się od wzoru haftu na zasłonach „Fiołki alpejskie”, stworzonego według projektu szwajcarskiego artysty Hermanna Obrista. Wzór aktywnie podkreślał wyszukane pociągnięcia łodyg; niektórzy krytycy porównali te wyrafinowane linie do „poziomowych krzywizn spadającej plagi”. W malarstwie styl secesyjny ma charakterystyczne cechy: wdzięczne formy, wydłużone figury, podkreślone kontury, precyzyjne jednokolorowe powierzchnie.
Co ciekawe, faliste, wygięte, poskręcane, latające linie, płaskie kontrastowe zestawienia kolorystyczne i zdobnictwo przywracają malarstwu dekoracyjność. Na zdjęciu widać płaskie, czasem przypominające wiszące na ścianie elementy aplikacji. Styl secesyjny charakteryzuje się dekoracyjnością zewnętrzną. Do dekoracji wykorzystuje się motywy roślinne, stylizuje się je w celu wykorzystania powstałego efektu w module, w kompozycji zdobniczej. Główną rolę odgrywają piękne pływające linie, pojedynczo lub delikatnie naciągnięte pokrywające powierzchnię. Często w kompozycjach wśród motywów roślinnych pojawiają się wdzięczne postacie kobiet, skrzydlatych wróżek i innych stworzeń, pojawiają się ptaki. Bardzo ważną cechą jest linia - główny środek wyrazu tego stylu. Ozdoba stała się także ucieleśnieniem nowych rozwiązań stylistycznych.
Artyści zaczęli ożywiać dekorację i wkrótce przywrócili jej dawną rolę, jaką pełnił w każdym stylu. O ornamentyce zaczęli pisać także artyści-teoretycy. Wiele miejsca poświęca temu Van de Velde w swojej książce „Renesans w nowoczesnej sztuce stosowanej” (1901). Pisze: „Ozdobnictwo powinno kierować się tymi samymi prawami, jakim podlega inżynier w swojej pracy; próbowałem porównać zdobnictwo do technologii…”. . Należy zwrócić uwagę na zasadnicze stanowisko: ozdoba musi być nowa i odpowiadać stylowi nowoczesnemu.
Badacze secesji, jak słusznie, przywiązują dużą wagę do zdobnictwa. Fritz Schmalenbach już w latach 30. podjął próbę zakwalifikowania podstawowych walorów stylu poprzez zdobnictwo. A 20 lat później, w 1956 roku, Delf Sternberger oświadczył z całą swą szczerością: „Niezwykle ważny jest fakt, że nowoczesność zaczyna się od ozdoby”.
Jeden z historyków stylu, Rainer Grunther, pisze: „Dekoracja secesyjna nie zdobi, jest ozdobą samą w sobie. Jego funkcja aplikacyjna staje się celem samym w sobie. Nie dekoruje: sama jego dekoracja okazuje się autonomiczną formacją artystyczną. Ozdoba secesyjna nie jest ozdobą przedmiotów, lecz ozdabia przedmioty.”
Ta autonomia ozdoby czyni go samodzielną formą sztuki, co daje mu prawo do uczestniczenia w procesie wzajemnego przenikania się sztuki. Zastanówmy się nad tymi przenikaniami sztuki pięknej z ornamentem, włączeniem w nią malarstwa, grafiki i rzeźby. Zarówno dzieła sztuki, jak i ozdoby wywodzą się z natury organicznej. Do secesyjnych motywów dekoracyjnych zaliczają się stylizowane kwiaty i pąki wodne o wąskich, długich łodygach i liściach: lilie, lilie wodne, trzciny, a także kwiaty i pąki irysów, storczyków, cyklamenów, chryzantem itp. Wśród motywów roślinnych popularne były także kwiaty dzikie i leśne: stokrotki, chabry, mlecze, konwalie i konwalie. Formy naturalne podkreślały dynamikę wzrostu i ruchu. Ozdoba secesyjna została obdarzona symbolicznym znaczeniem, metaforą i mistycyzmem. Na przykład: pączek jest symbolem pojawienia się nowego życia. Sztuka japońska miała ogromny wpływ na zdobnictwo secesyjne. I jeszcze jedną cechą secesji jest to, że zwraca się w stronę narodowej sztuki zdobniczej i zdobniczej, w stronę artystycznych tradycji ludowych. Rozważając motyw drzewa – symbolu drzewa życia, drzewa wiedzy, należy zauważyć, że sam obraz drzewa, nie w krajobrazie, ale w sensie symbolicznym, znajduje swoją realizację właśnie w ornamencie.
Większość badaczy stylu secesyjnego jest zdania, że ornament odgrywa znaczącą rolę w kształtowaniu i rozwoju stylu. Ozdoba w secesji miała nie tylko znaczenie dekoracyjne, ale miała głębokie znaczenie symboliczne i rozszerzyła swoją moc na formy sztalugowe. Ważne jest pragnienie mistrzów zdobnictwa, aby nadać swoim obrazom znaczenie symboliczne. Naturalnie, symbolika w ozdobniku była już konsekwencją symboliki w sztuce. Taki wygląd symbolu stanowił jedną z najważniejszych cech zdobnictwa secesyjnego. Ozdoba przez długi czas żyła starą semantyką, która dawno straciła swoje znaczenie, nie była dostrzegana, nie była realizowana przez samych artystów. Dlatego na pierwszy plan wysunęła się dekoracyjna esencja wzoru zdobniczego.
Teraz dzięki symbolice pojawiła się nowa semantyka. Znamienne jest, że w połowie XIX wieku wiele krajów zainteresowało się zdobnictwem i stworzyło wzory i atlasy kwiatów do celów zdobniczych. Ale ozdoba, uzupełniająca swój arsenał za pomocą naturalnych obrazów świata roślin, nie mogła nabrać nowego znaczenia. Nową semantykę mógł zapewnić jedynie obraz symboliczny, umowny znak rzeczywistości, a nie fragment wzięty bezpośrednio z rzeczywistości.
Ozdoba, bardziej niż jakikolwiek inny rodzaj twórczości figuratywnej, żyje raczej konwencjonalnymi niż naturalnymi formami. Naturalizm niszczy ornament i ozdobne myślenie. Jasne jest zatem, że konwencjonalny, symboliczny obraz w secesji przyniósł ocalenie ornamentowi. Figura, przedmiot, fragment figury lub przedmiotu zamieniła się w plastikowy symbol, w plastyczną metaforę. Nawet prosta linia, będąca jedynie kombinacją linii, za którą nie kryje się żaden realny obiektowy prototyp, lecz często stanowi podstawę wzoru zdobniczego, nabrała przenośnego znaczenia. Liniowa kombinacja może stworzyć wrażenie napięcia lub relaksu, wznoszenia się lub opadania. Tę zdolność linii do wyrażania siebie osiągnięto także najpierw w malarstwie i grafice. W połowie XIX wieku linia w malarstwie, a nawet grafice pełniła przede wszystkim rolę ogranicznika objętości w przestrzeni. Często zdolności ekspresyjne linii schodziły na dalszy plan. Nawet w impresjonizmie były one znacznie gorsze od wyrazistych możliwości koloru i pociągnięcia pędzla.
Secesja uwolniła granicę niezależnej „znaczącej” ekspresji. Nie mogło to nie wpłynąć na losy ozdoby. Nie ulega wątpliwości, że sztuki piękne modernizmu miały wpływ na zdobnictwo, ale równie niezaprzeczalny, a nawet bardziej aktywny jest proces odwrotny – proces wchodzenia ornamentu do innych form sztuki. Malarstwo i grafika okazują się w tym procesie stroną otrzymującą, a zdobnictwo stroną dającą.
Podsumowując ten rozdział, możemy stwierdzić, że styl w sztuce każdej epoki to historycznie ustalona jedność systemu figuratywnego, środków i metod wyrazu artystycznego. Podstawą każdego stylu jest jednolity system form artystycznych generowany przez wspólnotę ideologiczną i metodologiczną, która powstała w określonych warunkach społecznych i ekonomicznych. Tworząc system figuratywny nowego stylu, ornament roślinny jest jednym z jego najważniejszych elementów i należy do tych środków wyrazu artystycznego, które pozwalają bezbłędnie określić, czy dane dzieło sztuki dekoracyjnej i użytkowej należy do danego stylu.
Widzimy, że w procesie kształtowania się stylu niosącego nowe ideały artystyczne, w sztuce użytkowej pojawiły się nowe motywy zdobnicze i powstały rozwiązania dekoracyjne. Deklaracje nowoczesności oparto więc na słynnym zdaniu F.M. Dostojewski: „Piękno zbawi świat”.
W tym sensie secesja w pełni potwierdziła zadanie, jakie sobie postawiła – stworzenie pięknego stylu na piękne życie.
Z biegiem czasu zdobnictwo wykształciło swój własny styl, który odpowiadał wymaganiom i prawom sztuki znanych ludów różnych epok artystycznych.